Cultura Nacionales

Heroínas del arte en tiempos de la revolución socialista (y 3)

Written by Marko Florentino

Una de las artistas más galardonadas en la postrevolución fue Tatyana Nilovna Yablonskaya, nacida el 1917 [en el mismo año de la revolución socialista] en Smolensk, Rusia. Fue miembro de la Academia Rusa de las Artes, ganadora tres veces del Premio Estatal de la URSS y de dos medallas de la Academia de Artes de la URSS. Tatyana dejó registrados trabajos dedicados a la vida del pueblo soviético. Insertada y motivada en el arte por su padre, Yablonsky, un famoso pintor, artista gráfico y profesor de literatura rusa que trascendió por sus trabajos. Estudió en la Escuela de Arte de Kiev y posteriormente en el Instituto de Arte del Estado de Kiev. Participó en numerosas exposiciones sindicales e internacionales, con más 30 exposiciones individuales entre Moscú, Londres, Budapest y Kiev. Enseñó en el Instituto de Arte del Estado de Kiev y preparó a muchos artistas famosos de la Ucrania soviética.  Sus pinturas están cargadas de luminosidad y colorido, las cuales recrean elocuentes episodios de la vida campesina, en donde la mujer es la protagonista. Utilizó mucho los colores claros para dar realismo cautivador, realzando los temas campesinos sobre la cosecha como símbolo del regocijo en la granja. La figura de la mujer es predominante, insertada para expresar el valor y la cuantía que representaban las féminas en la cotidianidad de la Rusia socialista y de cómo se hacía imprescindible para el sustento de las familias campesinas la intervención de la mujer. A pesar de la dureza del trabajo en el campo, Yablonskaya representa a una mujer trabajadora llena de alegría y entusiasmo, como si la fatiga estuviera siendo superada por la satisfacción y consolada por el sudor; convirtiéndose en placer. Entre sus principales temas se encuentran el ama de casa anegada, la madre entregada al cuidado de los hijos y la esposa capaz de realizar múltiples actividades; además de su compromiso marital.  Entre sus más destacadas pinturas están: Grain Harvest, April, My studio, Armenian Village, The Artist’s Granddaughter Playing the Guitar, Autumn in Florence, The Blossom Time, Bluebells, Boy on the Balcony, Bread, Evening in Florence, Father and Son, Green June, The Haymakers, Holiday, Horses Grazing, In the Garden, In the Park, In the Sun, In the Woods, Knitting, Life Goes On, Lilies, Linen, Mother, Mother and Daughter Walking the Dog, My Window, Nude, The Oak Tree, The Old Apple Tree, An Old Pear Tree, Old Woman with Fish, On the Dnieper River, On the Outskirts of Rome, Portrait of a Girl, Portrait of Art Critic Fedorova, Reading, The Smell of the Lime Tree, Spring, Spring on the Window…

Otra insigne representante del arte revolucionario fue Ksenia Vladimirowna Ender, nacida en Sluzk, San Petersburgo en 1895. Polifacética en las bellas artes, apasionada por la música, la poesía y el diseño; pero finalmente se inclinó por la pintura y asistió a los Talleres Artísticos Libres (Academia Imperial de Bellas Artes) junto a los artistas multidisciplinarios Kazimir Malevich y Mikhail Matyushin. Aunque estuvo íntimamente ligada a las artes escénicas, su incursión en la pintura fue motivada por su hermano el pintor Boris Ender. Participó activamente en los eventos conmemorativos de la poetisa Jelena Genrichovna Guro. Fue asistente de investigación en el Departamento de Cultura Orgánica del Instituto Estatal de Cultura Artística; muchas de sus obras son el resultado de sus experimentos con espacio-color y que pudieron haber sido la influencia del Matuskin, que reflejan un abstraccionismo que dificulta su decodificación por las superposiciones figurativas.  Presentó sus trabajos en la exposición de pintores de Petrogrado y en la Decimocuarta Bienal de Venecia. En 1930 trabajó como diseñadora en una oficina de construcción industrial. Aunque trabajó el óleo, la mayoría de sus realizaciones fueron en tempera; estos trabajos son composiciones que presentan contrastes entre la rigidez tonal y la fuerza cromática. Las configuraciones de las formas utilizadas por Ksenia podrían ser visualmente abstractas y conceptualmente enmarcarse en lenguaje codificado. Sus trabajos podrían ser el resultado de eventos que ella imaginó y que posteriormente recreó en algún episodio de su vida.  Entre sus pinturas están: Landscape, Composition I, Composition II, Grief of Yellow Girl, Old Peterhof, Paesaggio Costiero.

Una de las idealistas que más hizo brillar el arte revolucionario fue Valentina Mikhailovna Khodasevich, nacida en Moscú en 1894. Pintora, artista gráfica, ilustradora, artista de carteles y escenógrafa. Participó activamente en todas las actividades culturales de su época. Recibió su primera formación en la Escuela de Arte Imperial Stroganov y en el Estudio de Fyodor Rerberg; posteriormente en Habermann’s Studio [Privatschule Hugo von Habermann, München], Munich, y años más tarde en París con el pintor fauvista holandés-francés, Kees van Dongen.  En plena revolución socialista trabajó junto a otros artistas en los murales interiores del Café Pittoresk en Moscú; un año después participó en el diseño de agitación de calles y plazas de Petrogrado para el primer aniversario de la Revolución. En 1922 creó la serie gráfica “La noche de Berlín”, sus obras más representativas en gráficos de caballete. Estuvo en Londres, París e Italia buscando las experiencias europeas y exponiendo sus trabajos. En los años 30 realizó trabajos para El Ballet de la «Edad de Oro» de DS Shostakovich en el Teatro de Ópera y Ballet Académico de Leningrado. Trabajó en la revista «URSS en la construcción». Sus pinturas reflejan la armonía inherente de una disidente ilustrada; el lenguaje grotesco de su obra refleja lo excéntrico y la rebeldía; sobre todo en los distintivos de los bocetos teatrales. En muchos de sus trabajos utilizó técnicas de publicidad, instalación y diseño ornamental. Sus trabajos evocan la perspectiva individualista de una idealista que se esforzó por demostrar que el arte vas más allá de las escuelas y de la filosofía revolucionaria establecida. Incorporó la rigidez de los trazos, denotando la figura con estilo riguroso; donde la exageración domina el escenario. Incorporó la sobriedad y la conceptualización visual desde un ángulo sensorial en desigualdad conceptual entre el entorno y los personajes. Sus pinturas son consideradas armónicamente inherentes, grotescas, deslumbrantes y excéntricas; sobre todo en los bocetos teatrales. En muchos de sus trabajos utilizó con frecuencia técnicas de publicidad, instalación y diseño ornamental.  En Moscú trabajó junto a los artistas Vladimir Tatlin, N. Rogovin, A. Vesnin en un estudio de arte en Ostozhenka. Un año después del estallido de la revolución en Sant Petersburgo hizo su debut como diseñadora de escenario con la actuación «Árbol de las Transformaciones».  Colaboró ​​con el director de escena Radlov en el National Comedy Theatre. Participó en el diseño de Petrogrado para los festivales y para el ballet de Dimitry Shostakovich en La Edad de Oro en el Teatro Estatal Académico de Ópera y Ballet. En 1934 presentó su exposición personal en la Casa de los Trabajadores Teatrales en Leningrado. A lo largo de su carrera diseñó la escenografía de más de 150 obras de teatro, lo que le mereció el galardón de una de las mejores diseñadoras de Leningrado.  Entre sus más destacados trabajos están: Portrait of Petrov Sisters, Women and Child on a Summer Outing, Untitled (Costume Design for Lucifer), Fallen from Heaven» (Costume Design), William Tell. Hunter, William Tell. Gessler’s Retinue, William Tell. Gessler’s Entourage, Guests. 2 pieces, Raymonda IV act. Two Men, Fountain Bakshi Serai, Wife, Indians Wives with Feathered Fans, A Group of Costume Designs for Boris Asafiev’s Ballet The Fountain of Bakhchisarai, Set Designs for Wind from the South, Women and child on a summer outing, Dancing on Montmartre, Elégantes sur la plage, Femmes et enfant au bord d’un lac, Jeunes femmes à la plage, Elégantes sur la plage, Tango by street light, Women and child on a summer outing, Figure in black, white and gold, Sunday afternoon in the park, Arlequin-Squelette ou Pierrot le jaloux, Studio per Costume teatrale…

 

 

La célebre escultora Sarra Dmitrievna Lebedeva, nació en 1892 bajo el cuidado de una familia de la crema y nata de San Petersburgo. Estudió en la Escuela de la Sociedad de Fomento de las Artes y posteriormente en la escuela del pintor y educador Mikhail Bernshtein. Se dedicó a la escultura de retratos, estatuillas y figuras de porcelana. Estuvo en Francia, Alemania, Austria e Italia, en donde se influenció del renacentista Donallo di Niccolò. Entre sus obras cumbres se encuentran las máscaras y relieves para el Palacio Yusupov, que diseñó junto al escultor Vasili Kuznetsov.  Diseñó la propaganda de la post revolución, produjo el modelo para una moneda de rublo de plata con un yunque y herramientas, y los monumentos a Georges Danton, Maximilien de Robespierre y Alexander Herzen. Después de la Revolución Rusa, se dedicó a enseñar en los Free Art Studios en Petrogrado, allí conoció a los intelectuales Maxim Gorky, Alexander Blok, Vladimir Mayakovsky y Vsevolod Meyerkhold.  Lebedeva era una apasionada artista del bronce atraída por la inocencia de la infancia, en muchas de sus creaciones escultóricas representó la niñez desde una perspectiva alejada de los conflictos sociales; además, esculpió a los héroes de la Gran Guerra Patriótica, pero sin grandes rasgos conflictivos. Con sus esculturas inmortalizó la ternura infantil recreada con sencillez, rodeada de naturaleza viviente y, por otra parte, expresó el heroísmo pasivo de los líderes revolucionarios. Entre sus obras se destacan: Grave marker of Boris Pasternak, Valery Chkalov, study from life…

La artista de la disidencia, de la vanguardia revolucionaria, seguidora de un arte moderno enmarcado en escenarios tétricos, Lidia Masterkova, fue una pintora francesa-rusa, nacida en Saint Laurent en 1927 que perteneció al grupo de artistas «Inconformista Lianozovo Circle” [Soviet Nonconformist Art]. Su integración en la lucha por la diversidad y la liberación social aumentó debido a su participación con este, un grupo diverso de artistas y poetas que lucharon inquebrantable e inflexiblemente por la libertad creativa.  Estudió en la Escuela de Arte Vasily Surikovy y en la Escuela Regional de Arte de Moscú.  Se involucró apasionadamente por el Expresionismo Abstracto en la exposición de artistas extranjeros celebrada durante el Festival Mundial de Juventud y Estudiantes en Moscú -1957. Considerada una de las personalidades más importantes en el mundo del arte de Moscú de la década de 1960; su obra incluía acuarelas pintadas en colores brillantes. Poco después, oscureció su paleta y a mediados de la década de 1960, su obra se caracterizó por composiciones abstractas creadas con formas lóbregas y escarpadas que contrastaban el encaje y el brocado recogido de las iglesias abandonadas.  Para el final de la década, comenzó a incorporar estos elementos llenos de una especie de misticismo oscuro y melancólico, superpuestos por collages de círculos blancos con los números 0, 1 y 9. También creó composiciones sutiles, circulares, en blanco y negro mediante la manipulación de tinta china o acuarela en papel mojado, a menudo colocando elementos de collage recortados de papel blanco.

Realizó trabajos matizados por la expresión abstracta de colores y formas instituidas con terror; que podrían causar traumas mentales e incertidumbres en el espectador. Muchos de sus trabajos fueron realizados con piezas recicladas, mezcladas con pigmentos fuertes y cálidos. En sus obras, pareciera que Masterkova quería descargar su furia y su disidencia social o la autoadoración a su ego; una especie de transferencia e interpretación al enunciado de David Freedberg en su hipótesis:

la pintura vuelve presente al ausente y vivo al difunto; ayuda a la memoria y al reconocimiento; puede inspirar miedo; despierta la piedad y transforma el valor del material no modelado —como hace la escultura. En suma, sus poderes solo pueden describirse como sobrenaturales y divinos. (El poder de las imágenes pág.65) 

Masterkova aprovechaba los materiales desechados para forjar composiciones cargadas de ira y matizada por el contraste, la dureza de color desplegada con elementos que carecían de armonía vista desde cualquier perspectiva. Trabajos: Composition I, Composition II, Composition III, Composition in Red and Blue, Abstract Composition I, Abstract Composition II, Composition 105, Past Auction…

 

 

About the author

Marko Florentino

Licenciatura en Publicidad - UASD Rep. Dom; Master en Periodismo - UCM España; Máster en Escritura Creativa - UCM España; PhD Programa de Doctorado en Arte Semiótico – UCM graduado de Ambiente de aprendizaje virtual y Relaciones públicas
Miembro del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, Asociación de Pintores y Escultores Españoles y del Colegio Dominicano de Periodistas
Profesor de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (Actualidad), Profesor Universidad del Caribe, Diseñador gráfico creativo-Agencia de publicidad Inventum, Periodista Periódico Universitario, Periodista independiente
escritor-pintor (exposiciones: Boston, Nueva York, Madrid, Santo Domingo)

Deja un comentario